di Massimo Arciresi
Il grande schermo rimane il miglior modo per fruire di un film, e su questo non si discute. Tuttavia oggi esistono canali alternativi progressivamente più numerosi, dalla televisione ai dvd, dalla pay per view allo streaming (legale, non c’è bisogno di specificarlo). In un momento in cui l’industria cinematografica è costretta ad adattarsi alle moderne tecnologie e in una fase nella quale i nuovi cineasti desiderano diffondere i loro lavori senza dover supplicare produttori e/o distributori sempre meno disposti a investire e – di fatto – a rischiare, non è detto che sia un male. Anzi, è una maniera per farsi conoscere rapidamente, soprattutto se si propone un risultato di qualità.
Per esempio, è una meritevole opportunità (che non esclude naturalmente auspicabili future programmazioni in sala) per il quarantaduenne catanese Andrea Tomaselli, insegnante di Italiano e Storia a Settimo Torinese e di Sceneggiatura e Regia presso la Scuola Holden di Torino, debuttante nel lungometraggio di finzione – dopo una fitta esperienza fra racconti, copioni e corti – con Zoo School, girato nel 2013 e dal giugno 2015 reperibile, a costi irrisori di noleggio e vendita, su Vimeo (www.zooschoolthemovie.com), opera che proprio nella scrittura tematica e nell’attenta direzione degli attori ha i suoi pregi maggiori.
Ambientata sapientemente all’interno dell’istituto professionale dove Tomaselli è in organico, la trama è incentrata su varie vicende paradigmatiche dello stato attuale della scuola italiana, con un professore di sostegno che si sbraccia ai consigli di classe perché non ci siano disparità di diritti fra gli allievi, due studenti (con simbolico cane al seguito) presi di mira, una preside dispotica, una vicepreside cinica, docenti esauriti, sottomessi, profittatori, un alunno fragile, un altro irrequieto, una bidella insospettabilmente sadica, una psicologa volenterosa. Ognuno di loro ha qualcosa da nascondere o da rimproverarsi, da subito o nel corso della narrazione. Che, bisogna sottolineare, attinge senza strafare da degradi – umani e legislativi – veri o verosimili (peraltro inerenti a temi scottanti come l’immigrazione, l’emarginazione, la tossicodipendenza, la pedofilia), per poi deflagrare in un finale tanto cruento quanto calibratamente allegorico, annunciato in sordina dal prologo e coerentemente privo di speranze. Se alla bravura di regista e interpreti (fra loro il più noto è Natalino Balasso, ben distante dal suo cabaret) aggiungiamo la notevole perizia del montaggio – per una durata complessiva adeguatamente “secca” di appena 78 minuti, compresi i dettagliati titoli di coda (la capacità di concisione spesso manca agli esordienti) – e l’accuratezza della fotografia, l’efficacia delle musiche, la credibilità di dialoghi non artefatti, possiamo tranquillamente asserire di essere di fronte a un prodotto di alto livello, rifinito nei particolari (persino le immancabili citazioni di classici restano educatamente sommesse): davvero pochissime le imperfezioni, anche in considerazione delle limitate risorse a disposizione. Fra i finanziatori collabora Michele Fornasero, che di recente ha firmato il bel documentario SmoKings; un’attenzione, la sua, che conferma ulteriormente la nascita di un autore da seguire. Dategli più mezzi (privi di steccati) e ci stupirà!
http://www.inchiestasicilia.com/2015/11/27/zoo-school/
NAPOLI - Maiuscola e suggestiva rappresentazione di Mettersi nei
panni degli altri/Vestire gli ignudi, mandata in scena da Davide Iodice
al Centro di Prima Accoglienza (ex Dormitorio Pubblico). Il lavoro è il
primo movimento del progetto di ricerca e creazione Che senso ha se
solo tu ti salvi, ispirato a Le Sette opere di Misericordia di
Caravaggio. Con esso prosegue il percorso teatrale del regista
napoletano sulla crisi della società contemporanea intrapreso con i
precedenti La fabbrica dei sogni e Un giorno tutto questo sarà tuo. In
un anno Davide Iodice ha raccolto le storie di alcuni ospiti del
dormitorio nel momento in cui hanno "perso la loro identità" e le ha
messe in scena con loro stessi protagonisti, affiancati da attori che
sono specialisti dell'esistenza e della scena. Sono degli assistenti
"magici" che li aiutano con la loro maieutica a fare venire fuori
l'evocazione. Lo spettacolo si svolge in otto stanze per otto storie e
compone un sorprendente affresco esistenziale e umano, capace di
cogliere e restituire il valore della dignità di ogni singolo. Gli
spettatori, guidati, da un attore con il volto mascherato, iniziano la
loro visita. La prima stanza è la Lavenderia in cui si svolge il prologo
del lavoro che ha come tema la ricerca dell'Identità. Si parte da un
cappotto vuoto e da una musicista che suona il violoncello. Compare,
quindi, una figura che si spoglia togliendosi di dosso moltissimi abiti
maschili e femminili a simboleggiare tutte le identità che sono accolte
nel dormitorio. La scena termina con il personaggio che si accascia sui
fili dei panni del bucato e viene coperto da un lenzuolo bianco che la
giovane musicista spande. E' un'anima sulla città e un chiaro
riferimento a Michelangelo. Nel Guardaroba si racconta la storia di
Maria. Legge i tarocchi e declama due sue poesie molto belle. In quel
guardaroba arrivano le giacche che vengono stirate e numerate per
essere, poi, attribuite ad ogni persona ospitata nel dormitorio:
rappresentano i destini di ciascuno di loro e il numero è quello del
letto che gli è stato assegnato. La visita continua e si arriva nella
prima stanza del dormitorio., la Stanza del mare. Su una rudimentale
barca a remi Giovanni, un pescatore di coralli, racconta la sua vita
trascorsa anche in un mare di alcol. E' divento alcolista, perdendo
l'identità, per la morte della moglie. Quindi si va nella Stanza degli
sposi. Qui la perdita dell'identità è la perdita della moglie. Si arriva
alla Stanza di Luciano, un uomo che ha rotto con gli schematismi
familiari e con le convenzioni. Sceglie la libertà che però lo rende un
emarginato perchè gli altri lo mettono da parte. Raccoglie gli oggetti
dimenticati e attraverso questi cerca di ricostruire una sua
affettività. Il percorso continua nella Cappella dove Antonio declama
una sua bellissima poesia il cui incipit è "Non correrò più nell'orto di
mia madre". Parla, come se fosse un sogno, dell'armonia perdura, della
nostalgia del passato. Molto suggestiva la drammatizzazione fatta da
Iodice con l'evocazione delle figure chiave descritte nella poesia. Poi
si va nella stanza dell'Emergenza dove Osvaldo racconta del momento
della perdita della sua identità quando il figlio, investito da un
pirata della strada, diventa tetraplegico. Osvaldo amava la corsa, era
molto bravo, ma per una sua intemperanza non riuscì a vincere la
medaglia messa in palio in una competizione. Iodice gliela dà
simbolicamente nella Corsa, quando tutti i protagonisti, ciascuno
secondo le proprie possibilità, fa una corsa su una pista allestita nel
grande atrio del dormitorio. Uno alla volta tagliano il traguardo dove
c'è uno specchio in cui ciascuno si riconosce e trova la propria
idenità. Di grande effetto il momento in cui tra le mani degli attori e
spettatori, disposti in circolo, passa il filo rosso del traguardo
chiudendosi a cerchio a simboleggiare il sorgere del rapporto empatico
di tutti con tutti. La rappresentazione si chiude con il cantautore
Bruno Limone che canta "Le cose che dovevo fare quando le dovevo fare",
accompagnato al violoncello dalla musicista che si è tolta la maschera
come tutti gli altri. Gli Interpreti sono, Antonio Buono, Davide
Compagnone, Luciano D’Aniello, Maria Di Dato, Giuseppe Del Giudice, Pier
Giuseppe Di Tanno, Raffaella Gardon, Ciro Leva, Osvaldo Mazzeca,
Vincenza Pastore, Peppe Scognamiglio, Giovanni Villani. Collaboratore
generale Luigi Del Parto ; spazio scenico, maschere e costumi Tiziano
Fario ; produzione Teatro Stabile di Napoli, Interno 5, Fondazione
Campania dei Festival, Napoli Teatro Festival Italia ; collaborazione
Centro Prima Accoglienza (ex Dormitorio Pubblico), Scarp De Tenis,
Binario della Solidarietà – Napoli.